Le streetwear est bien plus qu’un simple courant de mode. Il s’agit d’un mouvement culturel profond, né dans la rue, façonné par la jeunesse, les minorités, les artistes, les sportifs, les musiciens. Né dans les années 1980 aux États-Unis, il a évolué au fil des décennies pour devenir une force dominante dans l’univers de la mode contemporaine. Mélange de vêtements amples, de codes urbains, de références musicales et d’inspirations sportives, le streetwear est devenu un langage vestimentaire universel. Voici son histoire, des origines underground à sa reconnaissance dans le luxe et l’apparition de marques majeures comme Project X Paris.
Les origines californiennes : entre surf, skate et esprit rebelle
Le streetwear voit le jour dans les rues de Californie au début des années 1980, porté par les communautés de surfeurs et de skateurs. L’un des pionniers les plus marquants est Shawn Stussy, un shaper de planches de surf qui commence à apposer sa signature stylisée sur ses créations, puis sur des t-shirts qu’il vend depuis le coffre de sa voiture. Rapidement, cette écriture graphique devient un logo à part entière, et la marque Stüssy voit le jour en 1984.
Stüssy incarne parfaitement le croisement entre la culture surf et le style urbain. Ses pièces en coton, simples, marquées d’un logo reconnaissable, plaisent autant aux jeunes skateurs qu’aux amateurs de musique punk ou reggae. Ce style, fait de t-shirts larges, de hoodies, de casquettes snapback et de pantalons confortables, s’impose comme un langage visuel distinct, une forme de contre-culture assumée.
Le skate, étroitement lié à cette époque, renforce l’esthétique streetwear. Les jeunes skateurs californiens adoptent des vêtements résistants, fonctionnels, souvent trouvés en friperie ou dans les surplus militaires. Ils détournent les codes du vêtement utilitaire et créent sans le savoir un mouvement qui s’exportera bien au-delà des plages de Santa Monica.
L’impact de la culture hip-hop à New York
Pendant que la côte ouest développe une approche influencée par la glisse, la côte est, et particulièrement New York, donne naissance à un autre pilier fondamental du streetwear : la culture hip-hop. À la fin des années 1970 et dans les années 1980, le Bronx devient le berceau du rap, du breakdance, du graffiti et du DJing. Le look des rappeurs est une extension de leur art : pantalons baggy, baskets montantes, chaînes dorées, casquettes à visière plate, survêtements Adidas ou Puma.
Le groupe Run-D.M.C. popularise cette esthétique dans le monde entier, notamment à travers sa collaboration non officielle avec Adidas. Leur morceau « My Adidas » devient un hymne, et le géant allemand leur offre un contrat d’ambassadeurs — une première à l’époque pour un groupe de rap. Le vêtement devient un signe d’appartenance, de fierté culturelle, mais aussi un outil d’émancipation. Les marques comme Fila, Kangol, Nike ou Timberland deviennent incontournables dans les rues de Brooklyn ou Harlem.
C’est aussi à cette époque que des artistes commencent à lancer leurs propres marques. Le Wu-Tang Clan crée Wu-Wear, Jay-Z participe à Rocawear, P. Diddy fonde Sean John, et Russell Simmons lance Phat Farm. Ces marques s’adressent directement aux jeunes issus des quartiers populaires et incarnent une forme de réussite sociale. Le streetwear devient à la fois mode, revendication et aspiration.
Le rôle du skate et du punk dans l’esthétique street
En parallèle de la culture hip-hop, le monde du skate continue de forger une esthétique street bien distincte, notamment sur le plan visuel. Les marques comme Thrasher, Vans, DC Shoes ou Vision Street Wear s’imposent dans les skateparks, avec leurs t-shirts graphiques, leurs logos criants et leur esprit DIY. Le skate devient un mode de vie, et sa mode un refus des codes bourgeois.
Ce courant se croise parfois avec la scène punk ou grunge : jean troué, chemises à carreaux, vestes en cuir, baskets usées. Le streetwear hérite ainsi d’une dimension contestataire et irrévérencieuse. Il ne s’agit pas seulement de bien s’habiller, mais de s’exprimer, de provoquer, de revendiquer son indépendance et son mépris des normes sociales.
L’essor des marques et la naissance de Supreme
Dans les années 1990, le streetwear prend une tournure plus structurée. À New York, en 1994, James Jebbia fonde Supreme. D’abord un simple skate shop, la boutique devient rapidement un repère de la jeunesse branchée new-yorkaise. L’esthétique Supreme, minimaliste, brutale et parfois provocante, séduit une génération entière. Le logo rouge inspiré de Barbara Kruger, les références au skate, à l’art contemporain, au hip-hop et à la culture underground font de la marque un phénomène.
Supreme révolutionne la manière de vendre : les « drops » hebdomadaires en quantités limitées créent un phénomène de rareté. Les produits s’arrachent dès leur sortie, et un marché parallèle de revente s’organise. Cette approche influence profondément l’économie du streetwear à venir.
Le streetwear japonais et l’influence de BAPE
Pendant que le mouvement se développe aux États-Unis, le Japon devient un épicentre parallèle de la culture streetwear. Des figures comme Hiroshi Fujiwara ou Jun Takahashi s’imposent comme des icônes grâce à des marques comme Fragment Design ou Undercover. Mais c’est surtout Nigo, fondateur de A Bathing Ape (BAPE), qui marque durablement le genre.
Créée en 1993, BAPE développe un style visuel fort, basé sur les motifs camouflage, les imprimés audacieux, les coupes oversize. La marque devient culte, d’abord au Japon, puis dans le monde entier grâce à son adoption par les rappeurs américains. BAPE représente le streetwear fusionné à la pop culture japonaise, au manga, au jeu vidéo, et au luxe.
Nigo, en tant que figure créative, introduit aussi l’idée que le streetwear peut être collectionné, comme de l’art ou des sneakers. Son influence se fera sentir dans toutes les générations suivantes de créateurs.
L’ère des collaborations et l’entrée dans le luxe
À partir des années 2000, le streetwear commence à flirter avec le monde du luxe. Les marques de haute couture observent ce phénomène avec intérêt, et les premières collaborations marquent un tournant historique. Nike travaille avec des designers comme Yohji Yamamoto, Louis Vuitton collabore plus tard avec Supreme, Adidas signe avec Kanye West pour la ligne Yeezy.
Le streetwear devient alors un terrain d’expérimentation. Les créateurs puisent dans l’imagerie urbaine, dans les vêtements techniques, les coupes oversize, les matières synthétiques. Le luxe n’est plus réservé aux costumes et aux tailleurs : il adopte les hoodies, les doudounes, les joggings et les sneakers.
Des figures comme Pharrell Williams, A$AP Rocky ou Tyler, The Creator deviennent des ambassadeurs d’un nouveau streetwear raffiné, artistique, décomplexé. Le vêtement devient un outil d’expression personnelle, à la frontière entre la rue, la scène, et la galerie d’art.
Virgil Abloh et l’ascension du streetwear intellectuel
L’une des figures les plus marquantes de cette période est Virgil Abloh. Architecte de formation, DJ, proche collaborateur de Kanye West, il fonde Off-White en 2013. Sa marque se distingue par son esthétique conceptuelle : guillemets, flèches, références industrielles et architecturales. Off-White est à la fois luxe et rue, brut et raffiné.
En 2018, Virgil Abloh est nommé directeur artistique homme de Louis Vuitton, devenant le premier designer noir à occuper ce poste. C’est un moment historique pour le streetwear, qui atteint une reconnaissance institutionnelle. Virgil mélange les codes : tailleurs revisités, sneakers de luxe, logos détournés, collaborations avec Nike ou IKEA. Il inspire une génération de jeunes créateurs à croire qu’ils peuvent bousculer les règles du jeu.
L’essor du streetwear en France avec Project X Paris
Dans ce paysage international, la France voit également émerger une scène streetwear dynamique. Parmi les marques les plus emblématiques de cette nouvelle génération figure Project X Paris, fondée en 2015 par deux jeunes créateurs français. Leur ambition : proposer un streetwear accessible, pointu, inspiré des codes du luxe, du rap et du sport.
Project X Paris s’adresse à une jeunesse urbaine, connectée, ambitieuse. Leurs collections sont marquées par des ensembles coordonnés, des survêtements design, des coupes ajustées, des matières techniques et des imprimés forts. Très présente sur les réseaux sociaux, cette marque de style streetwear s’appuie sur des collaborations avec des artistes comme Ninho, Gradur, Gazo ou RK, ainsi que sur des partenariats avec des sportifs.
Project X Paris se distingue par sa capacité à capter l’air du temps, à proposer des pièces tendances à prix raisonnable, tout en incarnant un style affirmé, viril et moderne. Elle représente le streetwear français dans ce qu’il a de plus audacieux et populaire, tout en s’ouvrant progressivement à l’international.
Le streetwear aujourd’hui : culture globale et codes renouvelés
Aujourd’hui, le streetwear est une culture mondiale. Il ne se limite plus aux t-shirts imprimés ou aux baskets : il est devenu une philosophie de mode. Il touche toutes les classes sociales, toutes les cultures, tous les âges. Les grandes maisons de luxe intègrent désormais des éléments street dans leurs collections, les influenceurs dictent les tendances, les collaborations rythment le marché.
Le streetwear est aussi devenu un terrain d’expérimentation pour les jeunes créateurs, les marques engagées, les artistes. Il évolue vers des préoccupations plus éthiques, durables, inclusives. Ce qui n’était au départ qu’un mouvement marginal est devenu l’un des piliers de la mode contemporaine.
Le futur du streetwear s’écrit à travers les mutations de la société, les nouvelles générations, les innovations textiles, mais aussi le retour aux racines. Il reste avant tout une mode née de la rue, portée par ceux qui n’avaient pas voix au chapitre — et qui, aujourd’hui, dictent les codes.
